Encyclopædia Britannica، Inc.
يضم متحف اللوفر في باريس مجموعة تمتد من الحضارات القديمة إلى منتصف القرن التاسع عشر. يمكن تتبع تاريخ المتحف في القرن الثاني عشر ، عندما تم بناء قلعة في موقع المتحف الحالي ؛ في عام 1546 ، أوقف الملك فرانسيس الأول الكثير من ذلك وبدأ في بناء مسكن يعرف باسم متحف اللوفر. تسلط هذه القائمة الضوء على 30 فقط من مئات الآلاف من الأعمال الفنية في متحف اللوفر.
ظهرت الإصدارات السابقة من أوصاف هذه اللوحات لأول مرة في 1001 لوحة يجب أن تراها قبل أن تموت ، حرره ستيفن فارثينج (2018). تظهر أسماء الكتاب بين قوسين.
صورة لامرأة (القرن الثالث)
صورة التابوت هذه من منطقة الفيوم وقد رسمت في العصر اليوناني الروماني. تشير كلمة الفيوم إلى منطقة خصبة جنوب غرب القاهرة. كانت تتمحور حول بحيرة اصطناعية ، بحيرة قارون ، مشروع هندسي طموح يعود تاريخه إلى الأسرة الثانية عشرة ، تم بناؤه في واد طبيعي. جاء سكان وادي الفيوم من مصر واليونان وسوريا وليبيا ومناطق أخرى من الإمبراطورية الرومانية. كانوا يزرعون المحاصيل ، بما في ذلك القمح والشعير ؛ كانت الأسماك من البحيرة تعتبر طعامًا شهيًا في جميع أنحاء مصر ؛ وتحت حكم أمنمحات الثالث (الأسرة الثانية عشرة) ، اشتهرت المنطقة بالحدائق المورقة والأشجار المثمرة الوفيرة. تشتهر المنطقة اليوم بعدد من وثائق البردي المكتشفة خلال القرنين التاسع عشر والعشرين ، بالإضافة إلى العديد من صور الفيوم التي اكتشفها علماء الآثار. يبدو أن هذه الصور بالحجم الطبيعي كانت تُستخدم لتزيين المنازل ، فضلاً عن استخدامها للأغراض الجنائزية. تضمنت تقنية إنكوستيك إذابة الشمع وخلطه بالتصبغ وربما زيت بذر الكتان أو البيض ، ثم وضعه مثل الطلاء على الخشب أو الكتان. هذه الصورة المرسومة تبدو حديثة بشكل مدهش. تشير عيون المرأة الواضحة وأنفها البارز وتصوير الفنان الدقيق للمجوهرات إلى أنه تم رسمها لتكون صورة يمكن التعرف عليها. غالبًا ما ينسب مؤرخو الفن إلى منطقة الفيوم ولادة فن البورتريه الواقعي ، وتمثل الصور العديدة التي تم الكشف عنها في هذه المنطقة وقتًا من التجارب الفنية الرائدة. (لوسيندا هوكسلي)↚
صيف (1573)
كان جوزيبي أرسيمبولدو ناجحًا للغاية خلال حياته ، ولكن بعد وفاته سرعان ما تلاشت أعماله ، ولم يتم إحياء الاهتمام به حتى نهاية القرن التاسع عشر. من الناحية الأسلوبية ، تتناسب لوحاته الخيالية والخيالية مع العالم الشعبي لفن Mannerist. فضلت المحاكم في جميع أنحاء أوروبا خلال القرن السادس عشر بشكل خاص هذا النوع من الرسم الوهمي الذكي والذكي ، وكانت الشهادة على ذلك تكليف أرسيمبولدو الطويل كرسام لمحكمة هابسبورغ بين عامي 1562 و 1587. صيف تشكل جزءًا من السلسلة أربعة مواسم التي رسمها الفنان للإمبراطور ماكسيميليان الثاني عام 1573. كان هذا الموضوع الذي رسمه أركيمبولدو عدة مرات خلال حياته المهنية ، وكان موضوعًا ذائع الصيت للغاية. رسم لأول مرة سلسلة من أربعة مواسم في عام 1562 ، ولقي مفهومه الخيالي المتمثل في إنشاء رأس من مجموعة من الفواكه والخضروات بحماس كبير. لم تقتصر واجبات Arcimboldo المحكمة لماكسيميليان على الرسم - فقد تم استدعاء الفنان أيضًا كمصمم مسرح ، ومهندس معماري ، ومهندس. في وقت لاحق ، أثناء عمله لدى الإمبراطور رودولف الثاني ، تم تكليفه أيضًا بالعثور على التحف والأشياء النادرة في مجموعة الإمبراطور. تخلق لوحات Arcimboldo تأثيرًا سرياليًا تمامًا ، وهي بالتأكيد من بين أكثر اللوحات إبداعًا وابتكارًا بذكاء في عصره. (تامسين بيكيرال)
صيد السمك (ج .1588)
أنيبال كاراتشي ولد في منطقة بولونيا ، ومع شقيقه وابن عمه ، أصبح معروفًا كواحد من الرسامين الرائدين في مدرسة بولونيز. كان رسامًا ماهرًا بشكل خاص وركز بشكل كبير على الرسم الصحيح ، وغالبًا ما يصور مشاهد من الحياة ويضعها في مشهد خيالي أو مثالي. كانت موضوعات الصيد وصيد الأسماك شائعة في زخرفة الفلل في بولونيا في هذا الوقت. صيد السمك تم رسمها كقطعة مصاحبة لعمل آخر لكاراتشي ، الصيد . بناءً على أبعادهما ، ربما تم تصميم كلاهما للتعليق فوق مداخل فيلا منزلية. تم رسم العملين في وقت مبكر من مسيرة كاراتشي المهنية ، وقبل انتقاله إلى روما عام 1584 ، لكنهما يظهران بالفعل أسلوب الفنان المتميز للغاية. في هذا العمل ، جمع عددًا من المشاهد المختلفة في لوحة واحدة وابتكر تركيبته بذكاء بحيث يتم توجيه العين من المقدمة إلى كل مجموعة من الأشخاص وإلى الخلفية ، دون فقدان أي تفاصيل. من المحتمل أن تكون الأرقام مبنية على دراسات مباشرة من الطبيعة ثم تم دمجها مع المناظر الطبيعية. هذه اللوحة مثيرة للاهتمام لأنها تظهر كاراتشي يطور استخدامه للإيماءات ، كما هو موضح في الشكل التأشير على اليمين. كان استخدام الإيماءات المقنعة والواضحة إحدى مهارات كاراتشي الخاصة ، والتي أثرت على الرسامين اللاحقين في فترة الباروك. ومن الواضح أيضًا استخدام Carracci المقنع للمناظر الطبيعية ، والذي يتكون بشكل جميل في ضوء شفاف شفاف. (تامسين بيكيرال)
مؤلف لمن تدق الأجراس
تربية لعازر (ج .1619)
ولد Giovanni Francesco Barbieri ، الملقب بـ Il Guercino ، في فقر في بلدة Cento الصغيرة ، بين Ferrara و Bologna في إيطاليا. كان إلى حد كبير من العصاميين كفنان. أصبح أحد الرسامين الرائدين في مدرسة بولونيا ، حيث استولى على استوديو Guido Reni المزدحم عند وفاته (من المفارقات ، حيث تشير الروايات إلى أن ريني كان ينظر إلى Guercino بتناقض). تغير أسلوب Guercino بشكل كبير خلال حياته ، حيث أظهرت أعمال مثل هذه من بداية حياته المهنية أسلوبًا باروكيًا للغاية مع استخدام درامي للأضواء المتناقضة والظلام. نموذجي للوحات الباروك ، التكوين معقد ومليء بالإيماءات الدرامية والطاقة والشعور. الأشكال مزدحمة في المقدمة ، كما لو كانت جزءًا من إفريز ، بينما لا يمكن تمييز الوسط والخلفية تقريبًا. تضع هذه التقنية المشاهد في نفس المستوى المكاني تقريبًا مثل الأشكال الموجودة في اللوحة ، مما يثير استجابة عاطفية قوية. والحدث هو أن لعازر الميت أقامه يسوع. يضفي Guercino على المشهد شدة شديدة وحماسة روحية كانت ستحظى بإعجاب كبير خلال فترة وجوده. قبل بضع سنوات من تنفيذ هذه اللوحة ، التقى جويرسينو بالفنان لودوفيكو كاراتشي واستوحى إلهامه من تعامل كاراتشي مع الألوان والعاطفة. تأثير كاراتشي واضح في Guercino's تربية لعازر ، على الرغم من أن هذا العمل أكثر نشاطًا في الأسلوب. توفي جويرسينو ، وهو فنان غزير الإنتاج ومطلوب ، رجلاً ثريًا. (تامسين بيكيرال)
القديس يوسف النجار (1635–40)
القديس يوسف النجار ، زيت على قماش لجورج دي لا تور ، ج. 1645 ؛ في متحف اللوفر ، باريس جيرودون / Art Resource ، نيويورك
قصة حياة واعمال جورج دو لا تور غير مكتمل. على الرغم من أنه استمتع بالنجاح في حياته الخاصة ، فقد تم نسيان La Tour لعدة قرون - أعيد اكتشاف عمله في بداية القرن العشرين. رسام فرنسي ، غالبًا ما يُزعم أنه تأثر بلوحات كارافاجيو . ومع ذلك ، من المحتمل أن La Tour لم يكن على علم بعمل كارافاجيو وأنه استكشف بشكل مستقل تأثيرات الظل والضوء التي تلقيها شمعة واحدة. غالبًا ما رسم لا تور ، وهو روماني كاثوليكي متدين ، مشاهد دينية. عاد عدة مرات إلى موضوع توبة مريم المجدلية بالإضافة إلى الرسم هذا المشهد المؤثر يوسف يعلم يسوع في ورشة النجار. الأسلوب واقعي ومفصل ومخطط بعناية - يحمل يسوع الشمعة لأنه ، في الإيمان المسيحي ، هو نور العالم ينير ظلام العالم. (لوسيندا هوكسلي)
الحنفاء (1642)
قلة من الناس يمكن أن يفشلوا في إثارة فضولهم هذه الصورة من النوع من الواضح أن متسولًا معاقًا من نابولي ينظر إليهم بوقاحة بابتسامة مسننة. قضى خوسيه دي ريبيرا ، المولود في إسبانيا ، معظم حياته المهنية في نابولي ، التي كانت آنذاك تحت سيطرة إسبانيا ، وأصبح الفنان الرائد في المدينة. ربما كان ينوي ببساطة تصوير فتى نابولي متسول ، لأنه كان لديه اهتمام كبير بالناس العاديين. ومع ذلك ، فإن الطريقة التي مزج بها الواقعية مع التقليد بشرت باتجاه جديد في الفن. لم تبتسم الحياة لهذا المتسول ، لكنه متحدي بمرح. يحمل عكازه على كتفه برشاقة ويمسك بالورقة ، بدلاً من اليأس ، الورقة التي تمنحه الإذن بالتسول ، والتي كانت إجبارية في نابولي في ذلك الوقت. نصها باللاتينية: أعطني صدقة على حب الله. بدلاً من أن يظهر رابضًا في شارع جانبي متسخ ، يقف شامخًا أمام منظر طبيعي هادئ يستحضر الأعمال التاريخية والأسطورية والدينية المرسومة على الطراز الكلاسيكي. يعطيه ريبيرا مكانة مبهرة ، ويزيدها ضعف وجهة النظر ، وكرامة إنسانية. يمكن أن يكون شحاذه أميرًا صغيرًا تقريبًا. تصبح الفرشاة السائبة أكثر نعومة على المناظر الطبيعية ، مما يجعل الصبي يبرز أكثر. لقد كان لقدرة ريبيرا على نقل شعور الفردانية بالواقعية والإنسانية تأثير كبير على الفن الغربي وعلى المدرسة الإسبانية على وجه الخصوص. (آن كاي)
منظر داخلي ( النعال ) (1654–62)
كان Samuel van Hoogstraten رسامًا ماهرًا للصور الشخصية والديكورات الداخلية وكان مهتمًا بالاستخدام الصحيح للمنظور. منظر داخلي ، تقليديا النعال ، يجسد الاستخدام المميز للفنان للأرضيات المبلطة الهولندية لإبراز عمق الصورة. يتم التأكيد على ذلك من خلال طائرات الصورة المتراجعة المتميزة ، والتي تتميز بإطار الصورة ، وأغلفة الأبواب ، وأخيراً الصورتان الموجودتان في الجزء الخلفي من اللوحة. من خلال إظهار جزء من الباب المفتوح في المقدمة ، يضع الفنان المتفرج في المدخل ، مما يزيد من التأثير الوهمي للرسم. يُلمح موضوع Hoogstraten إلى التفاصيل الدقيقة. تشير المكنسة المهملة ونعال المنزل والكتاب المغلق (توقف القراءة) إلى وجود علاقة عاطفية تحدث بعيدًا عن الأنظار. كانت النغمة الأخلاقية اللطيفة للرسم هي تلك التي عاد إليها Hoogstraten عدة مرات. (تامسين بيكيرال)
الحج إلى Cythera (1717)
في عام 1717 قدم جان أنطوان واتو هذه الصورة إلى الأكاديمية الفرنسية كقطعة دبلوم. تم الإشادة به باعتباره أفضل أعماله ، وأصبح له تأثير رئيسي على أسلوب الروكوكو الناشئ. بدأ الموضوع كتوضيح لمسرحية صغيرة. في فلورنسا دانكورت أبناء العمومة الثلاثة ، فتاة ترتدي زي حاج تخرج من خط الكورس وتدعو الجمهور للانضمام إليها في رحلة إلى Cythera - جزيرة الحب ، حيث يلتقي الجميع بشريكهم المثالي. كانت النسخة الأولى من الموضوع لواتو ، التي يرجع تاريخها إلى حوالي عام 1709 ، تصويرًا حرفيًا للغاية ، ولكن هنا استغنى عن الإطار المسرحي ، وحول الحادثة إلى خيال خيالي رومانسي حالم. والأهم من ذلك أنه اختار تصوير نهاية الرحلة وليس بدايتها. قام العشاق بإقران وتزيين تمثال فينوس على اليمين بالزهور ، وهم على وشك العودة إلى ديارهم. من خلال التركيز على هذه اللحظة ، كان الفنان قادرًا على خلق جو من الكآبة اللطيفة التي تميز عمله. بينما يستعد معظم الأزواج للمغادرة ، بقي اثنان من العشاق بجوار ضريح الإلهة ، مفتونين بالحب وعميان عن كل شيء آخر. تستدير إحدى النساء الراحلات وتنظر إليهن بحزن ، مدركة أن هذا الجزء من الحب هو الأكثر عابرة. بعد وفاة واتو ، توقف فنه عن الموضة بشكل كبير. بالنسبة للكثيرين ، بدت صوره للمغامرات الغرامية مرتبطة ارتباطًا وثيقًا بالأيام القديمة للنظام الملكي. خلال الفترة الثورية ، استخدم طلاب الفن أعماله Cythera للتدريب على الهدف ، رمي حبيبات الخبز عليه. (ايان زاكزيك)
بييرو (معروف سابقا ب جيل ) (ج 1718-19)
هذه واحدة من آخر اللوحات التي أنتجها جان أنطوان واتو في حياته المهنية القصيرة. يُظهر مهرجًا يحدق في جمهوره ، بتعبير حزين قد يردد صدى المزاج الكئيب للفنان. كان Gilles اسمًا عامًا لمهرج في فرنسا ، وربما نشأ من Gilles le Niais ، وهو أكروبات وممثل كوميدي من القرن السابع عشر. بحلول يوم واتو ، كان هناك تداخل كبير بين هذه الشخصية وبييرو ، المهرج الرائد في كوميديا ديلارتي ، وهو تقليد مسرحي إيطالي كان يتمتع بشعبية كبيرة في فرنسا. لعب كلا الشخصين دور الأحمق البريء الذي أصبح المفضل لدى الجمهور - نموذج أولي لتشارلي شابلن وباستر كيتون. هذه اللوحة ربما تم إنتاجه كلوحة لافتة مسرحية مصممة لإغراء المارة بالعرض. ربما تم إنشاؤه للعرض الأول لـ Dana ، كوميديا تحولت فيها إحدى الشخصيات إلى حمار. بدلاً من ذلك ، ربما تكون قد أعلنت عن المسيرات - الرسومات الهزلية الموجزة قبل العرض الرئيسي. في هذه ، غالبًا ما كان الحمار يقود عبر المسرح ليرمز إلى الغباء المطلق لجيل. استخدم Watteau نسخة أصغر من هذا المهرج باعتباره الشخصية الرئيسية في الكوميديون الإيطاليون ، وهي صورة أنتجها لطبيبه حوالي عام 1720. وفي كلتا الحالتين ، كان الشكل الكئيب لجيل يشبه هوذا الرجل (هوذا الرجل) لوحة. هذا الموضوع الديني الشعبي يصور حلقة في آلام المسيح ، عندما قدم بيلاطس البنطي يسوع أمام الناس ، على أمل أن يدعوا لإطلاق سراحه. بدلا من ذلك ، دعا الغوغاء إلى صلبه. (ايان زاكزيك)
لا تزال الحياة مع زجاجة الزيتون (1760)
قاوم جان بابتيست سيميون شاردان المولود في باريس رغبات والده ، صانع الخزائن ، في أن يسير على خطاه وبدلاً من ذلك أصبح متدربًا في استوديو بيير جاك كازيس ونويل كويبل في عام 1719. طوال حياته ، تشاردين بقي عضوًا مخلصًا في الأكاديمية الفرنسية ، لكن على الرغم من نجاحه ، مُنع من أن يصبح أستاذًا لأنه تم ترشيحه كرسام في مجال الحيوانات والفاكهة. تم الانتهاء من الحياة الساكنة المبكرة التي اشتهر بها في فترة زمنية قصيرة ، مما يدل على السرعة التي اكتسب بها تقنيته المتميزة. تشير التقديرات إلى أن ربع إنتاجه الإجمالي قد تم إنتاجه قبل عام 1732. يتميز أسلوبه بفرشاة غنية بالنسيج تدين بدين كبير للرسم الهولندي ، ولا سيما تأثير رامبرانت في التعامل مع الطلاء. هذا يفصل عمله عن النمط الأكثر شيوعًا للرسم الفرنسي في القرن الثامن عشر. رسم شاردان مشاهد منزلية بسيطة وأدوات منزلية مألوفة. ومع ذلك ، فإن المزيد من الاهتمام المستمر يكشف عن تكوين متعمد ، والأهم من ذلك ، تنسيق العناصر المتباينة من خلال تنسيقه لمجموعة دقيقة من النغمات ذات الصلة. لا تزال الحياة مع زجاجة الزيتون هو نموذجي لمزاجه المقيد ، والإضاءة الخافتة ، والواقعية الخارقة التي تمنح الأشياء والمشاهد اليومية هالة سحرية. ليس من المستغرب أن يطلق عليه معجبوه لقب الساحر العظيم. تكمن موهبته في إنتاج لوحات كاملة الكمال مع مهارة فنية عالية غير متأثرة. (روجر ويلسون)
بولت (ج .1777)
كان جان أونوريه Fragonard أحد الرسامين الرائدين في أسلوب الروكوكو. كانت صوره تافهة ولكنها حسية ، تجسد أناقة حياة البلاط الفرنسي ، في السنوات التي سبقت ثورة 1789. بالنسبة لمعاصريه ، كان Fragonard معروفًا قبل كل شيء بأنه سيد مواضيع خفيفة (مواضيع خفيفة). كانت هذه الموضوعات شهوانية بشكل علني ولكن تم التعامل معها بدرجة من الذوق والشهية التي جعلتها مقبولة ، حتى في الأوساط الملكية. في الواقع ، إنها تتحدث عن مجلدات عن الموضات في ذلك اليوم حيث يبدو أن هذه الصورة قد تم تكليفها كقطعة مصاحبة للوحة دينية. وفقًا لمصدر مبكر ، اقترب الماركيز دي فيري من الفنان بحثًا عن صورة معلقة بجانب إحدى الصور التعبدية النادرة لفراجونارد - عبادة الرعاة . بالنسبة للعيون الحديثة ، قد يبدو هذا تجاورًا غريبًا ، لكن ربما قصد فيري الجمع لتمثيل الحب المقدس والدنس - وهو موضوع فني كان شائعًا منذ عصر النهضة. عادةً ما ينقل الفنانون هذه الفكرة في صورة واحدة ، لكنهم أحيانًا يقترنون لوحة حواء بموضوع يتعلق بمريم العذراء (التي غالبًا ما كان يُنظر إليها على أنها حواء الجديدة). هنا ، التفاحة ، المعروضة بشكل بارز على الطاولة ، هي إشارة تقليدية لإغراء حواء في جنة عدن. بولت تم رسمها عندما بدأ أسلوب الروكوكو في الخروج من الموضة ، إلا أن الإضاءة الدرامية ودرجة التشطيب العالية تظهر أن Fragonard كان يتكيف مع النمط الكلاسيكي الجديد ، الذي كان رائجًا. (ايان زاكزيك)
قسم هوراتي (1784)
يمكن القول إن جاك لويس ديفيد هو أكثر رسام الدعاية السياسية استثنائية في التاريخ. رسام البلاط لنابليون ، الكثير مما نعرفه عن شخصية الإمبراطور الأسطورية وأيقونات الثورة الفرنسية يأتي من لوحات ديفيد المسرحية والاستعارية. كان ديفيد هو والد الحركة الفنية الكلاسيكية الجديدة ، التي صورت الأساطير الكلاسيكية والتاريخ على أنهما يماثلان السياسة المعاصرة. قسم هوراتي تروي القصة ، التي سجلها المؤرخ الروماني ليفي حوالي 59 قبل الميلاد ، لأبناء من عائلتين ، الإخوة هوراتي الثلاثة والأخوة كورياتي الثلاثة ، الذين قاتلوا في الحروب بين روما وألبا حوالي 669 قبل الميلاد. يُطلب من الرجال القتال ، لكن إحدى النساء من عائلة كورياتي متزوجة من أحد الإخوة هوراتي ، وأخت هوراتي مخطوبة لأخ في عائلة كورياتي. على الرغم من هذه العلاقات ، حث هوراتي الأب أبنائه على محاربة الكورياتي وإطاعتهم ، على الرغم من رثاء أخواتهم المنكوبة بالحزن. في تصوير اللحظة التي اختار فيها الرجال المثل السياسية على الدوافع الشخصية ، يطلب ديفيد من المشاهدين اعتبار هؤلاء الرجال قدوة خلال أوقاتهم المضطربة سياسيًا. نظرًا لاهتمامه بالواقعية في الرسم كما كان مع المثالية في السياسة ، سافر ديفيد إلى روما لنسخ العمارة من الحياة. كانت النتيجة نجاحًا هائلاً عندما عُرضت اللوحة في صالون 1785 في باريس. لا تزال لوحات ديفيد تلقى صدى قويًا لدى المشاهدين لأن قوة مهارته كانت بارزة بما يكفي للتعبير عن معتقداته القوية. (آنا فينيل هونيجمان)
مدام ريكامييه (1800)
هذا معروف على نطاق واسع باسم جاك لويس ديفيد أفضل صورة . بفضل جمالها وبساطتها واقتصادها ، تُعتبر أيضًا واحدة من أكثر الأمثلة نجاحًا للفن الكلاسيكي الجديد. نموذج ديفيد ، جولييت ريكامييه ، كان محبوب المجتمع الباريسي. كانت زوجة لمصرفي ثري من ليون ، على الرغم من أنها تلقت اهتمام مجموعة من الرجال الآخرين ، الذين تم رفضهم جميعًا بشكل متواضع. استمد ديفيد الإلهام من سمعة ريكامييه الفاضلة. مع قدميها العاريتين ، واللباس الأبيض ، والإكسسوارات العتيقة ، تشبه عذراء فيستال. يتم تعزيز هذا من خلال الوضع. نظرة المرأة صريحة ومباشرة ، لكن جسدها مستدير بعيدًا ، لا يمكن الاقتراب منه. لم تكن جلسات البورتريه تسير بسلاسة: فقد انزعج الرسام من عدم التزام جولييت المستمر بالمواعيد ، بينما اعترضت على بعض الحريات الفنية التي تم الاستيلاء عليها. على وجه الخصوص ، استاءت من حقيقة أن ديفيد قام بتفتيح ظل شعرها ، لأنه لا يتناسب مع نظام الألوان الخاص به. ونتيجة لذلك ، طلبت صورة أخرى من أحد تلاميذ الفنانة. عندما علم بذلك ، رفض داود الاستمرار. سيدتي ، يقال إنه صرح ، السيدات لهن نزوات ؛ وكذلك الرسامين. اسمح لي بإرضائي. سأبقي صورتك في حالتها الحالية. قد يكون هذا القرار مفيدًا ، لأن الخطورة الصارخة للصورة تعطيه الكثير من تأثيره. يُقال إن المصباح وبعض التفاصيل الأخرى قد رسمها تلميذ ديفيد جان أوغست دومينيك إنجرس . من المؤكد أن هذا الأخير أعجب بالصورة ، لأنه استعار وضعية Récamier لأحد أكثر أعماله شهرة ، Odalisque العظيم . (ايان زاكزيك)
المستحم ( يستحم فالبينسون ) (1808)
في عام 1801 ، بعد أن درس الفنان الفرنسي جاك لويس ديفيد جان أوغست دومينيك إنجرس فاز بجائزة Prix de Rome المرموقة. كانت هذه جائزة مقدمة من Academie Royale الفرنسي ، الذي دفع لأفضل فنانيهم زيارة روما لمدة أربع سنوات ودراسة أسياد إيطاليا في الماضي. لسوء الحظ ، لم تستطع الدولة تحمل إرسال فنانين إلى إيطاليا في هذا الوقت بسبب اقتصاد فرنسا الفاشل. ذهب إنجرس في النهاية إلى روما عام 1808. المستحم كانت واحدة من أولى لوحات إنجرس التي تم تنفيذها في إيطاليا ، وعلى الرغم من أن الفنان كان محاطًا بقرون من فن عصر النهضة المهم ، إلا أنه خالف التقاليد. بدلاً من الكشف عن هوية موضوعه ، أظهر إنجرس موضوعه الضخم تقريبًا وهو يواجه بعيدًا عن المشاهد وجذعها ملتوي قليلاً لفتح ظهرها. هذا يسمح للمشاهد أن يعجب (ويجسد) المستحمة دون أن تتحدىنا - فهي تظل مجهولة الهوية ، وغير محددة ، وشخصيتها غير قابلة للفك. غالبًا ما اعتمدت أعمال إنجرس اللاحقة عن العراة الإناث أوضاعًا أمامية أكثر. من المثير للاهتمام ملاحظة أن لوحة Ingres المحدودة من اللون الأخضر والكريمي والبني تتغير من درجات الألوان الداكنة للستارة على اليسار إلى الألوان الفاتحة للخلفية وغطاء السرير على اليمين. يمكن رؤية هذا التدرج في النغمة على أنه يردد الطبيعة الرمزية للاستحمام ، وهو فعل ينقي روح المرء وينقيها: عندما تتحرك الحاضنة بعيدًا عن الحمام ، تصبح أكثر بياضًا وبالتالي أكثر نقاءً. (وليام ديفيز)
طوافة ميدوسا (1819)
ثيودور جيريكولت: طوافة ميدوسا طوافة ميدوسا ، زيت على قماش بواسطة Théodore Géricault ، 1819 ؛ في متحف اللوفر ، باريس. صور الفنون الجميلة - صور التراث / العمر fotostock
قلة من الناس يمكن أن ينظروا إلى هذه اللوحة ولا يغمرهم شغفها وقوتها. تم رسمها بواسطة المحرك الرئيسي للرومانسية الفرنسية ، تيودور جيريكولت ، ويُنظر إليها الآن على أنها البيان المحدد لتلك الحركة. انفصل الرومانسيون عن فن القرن الثامن عشر الكلاسيكي للتأكيد على الواقعية والعاطفة. هذه اللوحة مثيرة للاهتمام بشكل خاص لأنها تربط بوضوح بين الكلاسيكية والرومانسية. متي طوافة ميدوسا ظهرت في معرض الصالون عام 1819 ، وتسببت في فضيحة كبرى أرعبت المؤسسة. يروي المشهد القصة الحقيقية لفرقاطة الحكومة الفرنسية الغارقة قنديل البحر ، الذي أخذ قبطانه وضباطه غير الأكفاء قوارب النجاة الوحيدة لأنفسهم وتركوا جميع أفراد الطاقم والركاب البالغ عددهم 150 شخصًا ليهلكوا على زورق مؤقت ، ويغرقون في اليأس والوحشية وأكل لحوم البشر. تجرأ Géricault على إظهار حلقة مزعجة ومثيرة للقلق من التاريخ المعاصر (حدث الحطام في عام 1816) والتي انعكست بشكل سيء على جميع المشاركين ، بطريقة تشبه لوحات التاريخ البطولية الضخمة التي أحبها الكثير من التقليديين. من ناحية أخرى ، هناك مستوى مروع من الواقعية هنا (درس Géricault الجثث للحصول على التفاصيل بشكل صحيح) ، مع أعمال فرشاة نشطة للغاية تزيد من الحركة الدوامية والعاطفة. من ناحية أخرى ، فإن الأجسام والتكوين الهرمي الشكل كلاسيكيان في الأسلوب. على الرغم من الغضب ، إلا أن الصورة نالت استحسانًا فنيًا لـ Géricault ، وكان لها تأثير هائل على الفنانين الآخرين ، وأبرزهم يوجين ديلاكروا . (Ann Kay)
موت ساردانابالوس (1827)
غالبًا ما يُقال إنه أعظم الرومانسيين الفرنسيين ، يوجين ديلاكروا كان حقًا رسامًا في عصره. مثل صديقه Théodore Géricault ، احتفظ Delacroix ببعض العناصر الكلاسيكية من تدريبه المبكر لكنه أظهر طاقة جريئة ، واستخدامًا فرديًا غنيًا للألوان ، وحبًا للغرابة جعله رائدًا. اللوحة الضخمة موت ساردانابالوس ينفجر على الحواس بحركة برية ولون فخم ، عربدة من الغرابة الممتعة. كان ساردانابالوس حاكماً آشورياً من الأساطير القديمة مع طعم الانحطاط الشديد. رداً على عار هزيمة عسكرية كبرى ، قام ساردانابالوس بعمل محرقة ضخمة أحرق فيها نفسه حتى الموت مع كل كنوز قصره وعشيقاته وأفراده المستعبدين. استمتع ديلاكروا بمثل هذه الدراما البيرونية. يبدو أنه تخلى عن أي محاولة لمنظور واقعي أو تماسك تركيبي. الأجساد والأشياء المشوهة تدور في عالم كابوس مختنق بالألوان الشديدة والظل الحار الزاحف. تنقل اللوحة التفصيلية للمجوهرات المتلألئة والأقمشة الغنية بوضوح العالم الباهظ الذي يتم تصويره ، في حين أن الانفصال اللطيف الذي يستعرض به ساردانابالوس الفوضى من حوله يضفي مزاجًا شريرًا. يختبر ديلاكروا بدرجات اللونين الرمادي والأزرق على جلد الإنسان لإعطاء شكل لنمذجه غير التقليدي للأجسام. من السهل أن نرى كيف أن الاستكشاف غير المقيد للعنف ، جنبًا إلى جنب مع الطاقة المحمومة وتقنيات التلوين الجريئة ، قد أحدث الكثير من الفنانين في وقت لاحق. (آن كاي)
مؤله هوميروس ( تأليه هوميروس ) (1827)
بحلول الوقت مؤله هوميروس تم رسمها ، جان أوغست دومينيك إنجرس كان زعيمًا نصبته بنفسه للرسم التقليدي الكلاسيكي ، واضعًا نفسه ضد فن الرومانسيين الفرنسيين العنيد مثل يوجين ديلاكروا . لا يمكن أن تكون هذه اللوحة بالذات مثالًا أفضل على نهج إنجرس الأكاديمي ، وفي الواقع كان يقصدها أن تكون ترنيمة مدح للكلاسيكية. على الرغم من أنه كان لديه جانب أكثر حسية (على سبيل المثال ، هو المستحم ) ، لقد تم قمعه تمامًا هنا. يُعرف أيضًا باسم تأليه هوميروس ، يُظهر هذا العمل شاعر اليونان القديم الشهير كإله توج بأمجاد من قبل الشخصية الأسطورية النصر. تمثل امرأتان عند قدميه أعمال هوميروس الملحمية العظيمة ، الإلياذة و الأوديسة . يتجمع حوله حشد من العمالقة الفنيين من العصور القديمة والحديثة ، بما في ذلك رفاقه اليونانيون: يقدم المسرحي إسخيلوس رقًا على يسار هوميروس ، بينما يمسك النحات الأثيني فيدياس بمطرقة على اليمين. يهيمن على الشخصيات الأكثر حداثة فنانون من الفترة الكلاسيكية في فرنسا في القرن السابع عشر ، مثل الكاتب المسرحي موليير والرسام نيكولاس بوسين. ينضح التكوين المثلث المتماثل المثالية الكلاسيكية ، حيث وضع هوميروس مركزيًا مقابل معبد عتيق يحمل اسمه. تم استقبال هذه اللوحة بشكل سيئ في وقت إنشائها. انسحب إنجرس إلى روما لبضع سنوات ، لكنه عاد في الأربعينيات من القرن التاسع عشر ليعاد الإشادة به كرائد كلاسيكي. أصبح من المألوف إهانة تقليدية إنجرس ، ولكن يُنظر إليه الآن على أنه فنان مؤثر للغاية يتمتع بمهارة فنية كبيرة. (آن كاي)
الحرية تقود الشعب (1830)
يوجين ديلاكروا: الحرية تقود الشعب الحرية تقود الشعب ، زيت على قماش بواسطة يوجين ديلاكروا ، 1830 ؛ في متحف اللوفر ، باريس. خوسيه كريستوفيل / علمي
هذا العمل ينتمي إلى الفترة ما بين 1827 و 1832 خلالها يوجين ديلاكروا أنتج تحفة واحدة تلو الأخرى. هذا ليس استثناء. تم رسم الصورة لإحياء ذكرى ثورة يوليو 1830 التي أتت لويس فيليب بالسلطة ، وقد أصبحت الصورة ترمز إلى روح الثورة. تسبب في ضجة كبيرة في صالون باريس عام 1831 ، وعلى الرغم من أن لويس فيليب اشترى العمل بمناسبة انضمامه ، إلا أنه أبقه بعيدًا عن الرأي العام لأنه كان يُعتبر محتملًا للالتهاب. تجمع الصورة ببراعة بين ريبورتاج معاصر وقصة رمزية بطريقة ضخمة. المكان والزمان واضحان: نوتردام مرئية من بعيد ، والناس يرتدون ملابسهم وفقًا لفصلهم ، مع الصبي القذر على اليمين يرمز إلى قوة الناس العاديين. تسببت الشخصية المجازية لـ Liberty التي تتفوق على المشهد ، والألوان الثلاثة المرفوعة فوقها ، في إثارة الغضب لأنه بدلاً من تجسيد الجمال المثالي ، تُظهر فرشاة الفرشاة النابضة بالحياة امرأة حقيقية للغاية - نصف عارية ، وقذرة ، وتدوس فوق الجثث بطريقة قد توحي كيف يمكن أن تجلب الحرية بعض الاضطهاد من تلقاء نفسها. تُظهر هذه اللوحة أيضًا تحول ديلاكروا نحو النهج الأكثر هدوءًا لعمله اللاحق ، حيث قام بغزوات خفية على نحو متزايد في الطرق التي تعمل بها الألوان جنبًا إلى جنب من أجل نقل إحساس بالواقع أو التعبير عن الحقائق. سيكون مثل هذا الاستخدام للون مؤثرًا بشكل كبير بين الانطباعيين والحداثيين القادمين ، من بيير أوغست رينوار وجورج سورات إلى بابلو بيكاسو. (آن كاي)
منظر لمتحف اللوفر الكبير (1841)
رفض باتريك آلان فريزر ، ابن تاجر الحياكة الناجح ، فرصة متابعة والده في مهنة تجارية لصالح متابعة ميوله الفنية. أخذت الدراسات ألان فريزر إلى إدنبرة وروما ولندن وأخيراً إلى باريس ، حيث واجه غراند غاليري الرائع داخل متحف اللوفر. عند الرسم منظر لمتحف اللوفر الكبير استوحى الفنان إلهامه من مجموعة من الفنانين الفيكتوريين المعروفين باسم The Clique ، الذين التقى بهم في لندن. رفضت الزمرة الفن العالي الأكاديمي لصالح الرسم النوعي. كان Grande Galerie الذي يبدو بلا حدود ، والذي يمتد لمسافة ربع ميل ، مكانًا يتجمع فيه الفنانون والحرفيون في كثير من الأحيان ، ومع ذلك نواجه هنا جوًا هادئًا من التقدير والتفكير. في السنوات اللاحقة ، كان ألان فريزر ينغمس في ترميم المباني الجميلة وتشييدها ، وكان إعجابه بـ Grande Galerie بالغ الأهمية عند القيام بذلك. لا تسمح أشعة الضوء المتقطعة للمشاهد فقط بالتحديق في النشاط الداخلي ، بل تكشف أيضًا عن حجم القاعة وأناقتها. تم انتخاب آلان فريزر للأكاديمية الملكية الاسكتلندية في عام 1874 ، وقام بتكليف صور أعضاء العصبة ، احتراما لأولئك الذين ألهموه. (سايمون جراي)
تذكار مورتيفونتين (1864)
تذكار مورتيفونتين ، زيت على قماش لكاميل كورو ، 1864 ؛ في متحف اللوفر ، باريس. Lauros — Giraudon / Art Resource ، نيويورك
بدأ كاميل كورو مسيرته المهنية كصانع قماش قبل أن يقرر متابعة التدريب الفني. بدعم من والده ، درس أولاً مع Achille Etna Michallon ثم مع Jean-Victor Bertin ، على الرغم من أن Corot نفى لاحقًا أن يكون تدريبه قد أثر على فنه. سافر على نطاق واسع طوال حياته ، وقضى عدة سنوات في إيطاليا ، واستكشف سويسرا وغطى معظم الريف الفرنسي. في رحلاته قام بعمل العديد من الرسومات الزيتية و في الهواء الطلق اللوحات التي استحوذت على فورية الضوء والجو ؛ كما عمل على لوحات بأسلوب المعرض داخل الاستوديو. تذكار مورتيفونتين هي واحدة من أفضل اللوحات من حياته المهنية الراحلة. إنه مغمور بضوء ناعم منتشر ، وهو عمل يسوده الهدوء المطلق ، وخلاصة الاستيعاب الشعري والغنائي لعالم الفنان. المشهد ليس مأخوذًا من الطبيعة ، لكنه يجمع بين العناصر الأساسية للإعداد الطبيعي لخلق صورة مثالية ومتناغمة. كانت الشجرة الرشيقة في المقدمة ، وامتداد المياه الراكدة خلفها ، والأشكال الهادئة التي تم التقاطها بألوان ناعمة ، زخارف استخدمها الفنان غالبًا لتقديم عمل انعكاس جميل وهادئ. من خلال العمل في البداية على غرار الواقعيين ، تطور أسلوب كوروت ليشمل تصورًا رومانسيًا حالمًا. على هذا النحو ، يمكن اعتبار عمله بمثابة جسر بين الواقعيين والانطباعيين ، وفي الواقع يُشار إليه غالبًا على أنه والد الانطباعية. يبدو أن هذه اللوحة على وجه الخصوص قد تأثرت كلود مونيه مناظر نهر السين في ضوء الصباح الباكر المرسومة خلال تسعينيات القرن التاسع عشر. (تامسين بيكيرال)
جلد المسيح (1455–60)
شهدت أراضي كاتالونيا ، المتمركزة في مدينة برشلونة ، عصرًا ذهبيًا رائعًا للفن في القرن الرابع عشر الميلادي ، وكان في طليعة هذا الإحياء Jaume Huguet. تشتهر Huguet بقطع المذبح المذهلة التي تجسد الفن الديني الزخرفي الجميل الذي أنتجته المدرسة الكاتالونية في هذا الوقت. في وسط هذا المذبح ، المسيح يتعرض للضرب قبل أن يحكم عليه بالموت بالصلب. الرجل الذي أصدر الحكم - الحاكم الروماني على اليهودية ، بيلاطس البنطي - جالس على عرش عظيم إلى اليمين. تمتلئ صورة Huguet بألوان تشبه المجوهرات ومليئة بالتفاصيل الدقيقة ، من بلاط الأرضيات إلى عرش Pilate وملابسه. هناك تناسق جيد البناء في التكوين: موقع المسيح المركزي ، يحيط به رجلان يقومان بالضرب وملاكين صغيرين عند قدميه ، بلاط الأرضية المتراجع ، صف الأقواس خلف المسيح ، ومنظر بعيد لمنظر طبيعي به قمم متساوية الحجم. التأثير كله زخرفي للغاية ، مثل قطعة نسيج تقريبًا. صنعت هذه القطعة من قبل نقابة صانعي الأحذية لمصلى سان مارك بكاتدرائية برشلونة ، وهذا هو سبب ظهور الأحذية في الإطار الزخرفي. كما تظهر على الحدود صور نسر وأسد وملاك وثور - وهي رموز لمبشرين القديس يوحنا وسانت مرقس وسانت ماثيو وسانت لوقا على التوالي. يعتبر عمل هوغيت على نطاق واسع على غرار أساتذة القرن الخامس عشر الكاتالونيين مثل برناردو مارتوريل ، وقد ساعد أسلوبه الشخصي في تحديد الأسلوب الكاتالوني. (آن كاي)
رجل عجوز مع صبي صغير (ج .1490)
كان دومينيكو غيرلاندايو فنانًا فلورنسيًا مشهورًا بلوحاته الجدارية وصوره الشخصية. رجل عجوز مع صبي صغير هي صورته الأكثر شهرة. يقدم رسم في المتحف الوطني في ستوكهولم دليلاً على أن غيرلاندايو قام بدراسات عن الرجل العجوز ، بما في ذلك عيب الجلد في أنفه. يُعتقد أن الرجل عانى من تشوه فيمة الأنف نتيجة حب الشباب الوردية. لكن واقعية الصورة غير عادية في وقتها. يُعتقد أن تضمين غيرلاندايو لهذا العيب قد أثر في الفنانين اللاحقين ، مثل ليوناردو دافنشي ، لرسم رعاياهم كما كانوا. هذا المشهد تأثر المشاهد بالتأكيد. يتناقض وجه شيخوخة الرجل العجوز مع بشرة الطفل الناعمة والشابة. عندما تصل يد الطفل إلى الرجل العجوز ، تلتقي عيونهم في عرض مفتوح من المودة. يؤكد اللون الأحمر الدافئ على هذه الرابطة المحبة. (ماري كوتش)
مخرج فيلم المصارع الذي صدر عام 2000
العراف (ج.1508-10)
تعتمد الشهرة الرئيسية للوكاس فان ليدن على مهاراته غير العادية كنقاش ، لكنه كان أيضًا رسامًا بارعًا يُنسب إليه الفضل في كونه واحدًا من أوائل الذين قدموا الرسم النوعي الهولندي. وُلد في ليدن ، حيث أمضى معظم حياته ، ويُعتقد أنه تدرب مع والده وبعد ذلك مع كورنيليس إنجبريشتس. سافر إلى أنتويرب عام 1521 ، حيث التقى ألبريشت دورر الذي سجل هذا الحدث في يومياته. يبدو أن عمل دورر كان له التأثير الأكبر عليه ، على الرغم من أن فان ليدن اقترب من رعاياه بحركة أكبر ، مع التركيز بشكل أكبر على شخصية الشخصيات الفردية. العراف وهي إشارة إلى غرور الحب والألعاب ، وقد تم رسمها في وقت مبكر من مسيرة فان ليدن ، ولكنها تظهر بالفعل براعته في الرسم ومهارته كرسام تلوين. إنها دراسة للشخصية ، حيث يصور كل فرد بحساسية حيوية. الرجل ذو اللحية السوداء في الخلفية آسر بشكل خاص ، بنظرته الثاقبة ووجهه الشرير الذي يتناقض مع شخصية العراف الشاحب. سطح الصورة مزخرف بشكل غني ، والأنسجة المختلفة ، من الفراء والحرير إلى الزجاج واللحم ، مصقولة بشكل رائع. يؤدي دفع التكوين إلى مقدمة مستوى الصورة إلى وضع العارض بين الأشكال الأخرى. اشتهر فان ليدن خلال حياته ، وعلى الرغم من أنه لم يكن لديه تلاميذ مباشرون ، إلا أن تأثيره كان عميقًا على تطور الفن الهولندي ، مما مهد الطريق لتقليد الرسم الفني الهولندي. يُعتقد أيضًا أن عمله كان له تأثير على رامبرانت. (تامسين بيكيرال)
انتصار تيتوس وفيسباسيا (ج .1537)
ولد جوليو بيبي ، فنان هذه اللوحة أصبح يعرف فيما بعد باسم جوليو رومانو بعد مدينة ولادته. في سن مبكرة ذهب للدراسة مع رافائيل ، أصبح لاحقًا مساعده الرئيسي ، وبعد وفاة رافائيل أكمل عددًا من أعمال الفنان. كانت لوحة ألوان رومانو النابضة بالحياة وأسلوبه التصويري الجريء على النقيض من دقة معلمه ، ولكن من حيث الخيال المطلق والتأثير الوهمي الدرامي الذي تحقق من خلال التلاعب بالمنظور ، كان رومانو رائدًا في مجاله. بصرف النظر عن إنجازاته الفنية ، كان الفنان أيضًا مهندسًا معماريًا ومهندسًا. حوالي عام 1524 تم توظيف رومانو من قبل فريدريكو غونزاغا ، حاكم مانتوفا ، وشرع في مشروع ضخم لتصميم وإعادة بناء بعض مباني المدينة ، بالإضافة إلى عدد من المخططات الزخرفية. انتصار تيتوس وفيسباسيا بتكليف من Gonzaga لغرفة القياصرة في Palazzo Ducale. يصور الإمبراطور تيتوس وهو يتجول في روما بعد الانتصار على اليهود. يعتمد التكوين على مشهد من الداخل لقوس تيتوس القديم في روما ، ويحتفظ بالكثير من الجودة النحتية للأصل ، لا سيما في خيول عربة رومانو الحادة. جعلت الألوان الرائعة والموضوع الكلاسيكي المقدم في يد رومانو Mannerist هذا العمل شائعًا للغاية في وقته. إن معالجته للمناظر الطبيعية - المفصلة بشكل جميل والمغطاة بضوء شفاف متلألئ - لها أهمية خاصة. (تامسين بيكيرال)
العذراء والطفل مع القديسة حنة (ج .1510)
ليوناردو دافنشي تدرب على يد النحات الرئيسي أندريا ديل فيروكيو ، وبعد ذلك عمل لدى بعض من أغنى الرعاة في فرنسا وإيطاليا ، بما في ذلك عائلة سفورزا في ميلانو ، ملك فرنسا ، والفاتيكان في روما. لو لم يتحول Verrocchio إلى الرسم للتنافس مع منافسيه في الوقت الذي كان فيه ليوناردو في ورشته ، يعتقد بعض العلماء أنه من المتصور ألا يكون ليوناردو قد رفع الفرشاة بالضرورة. على الرغم من أن حياته وعمله مهمان للغاية لتاريخ الفن ، إلا أنه يوجد اليوم ما يقرب من 20 لوحة منسوبة بشكل آمن في أعماله. العذراء ووالدتها حنة والرضيع يسوع موضوع هذه اللوحة ، معًا أحد أكثر موضوعات ليوناردو شعبية ، كما يتضح من العديد من الرسومات واللوحات. وتشمل هذه الرسوم الكاريكاتورية المفقودة لعام 1501 و العذراء والطفل مع القديسة حنة والقديسة يوحنا المعمدان (ج. 1508 ، المعروف باسم Burlington House Cartoon) ؛ قد يُفترض أن الكارتون الأخير كان يهدف إلى تطويره إلى عمل كبير ومرسوم بالكامل ، ولكن لا يوجد دليل على أن مثل هذه اللوحة قد تمت تجربتها على الإطلاق. هنا ، مع ذلك ، ترتكز السيدة العذراء على حضن القديسة حنة ، بينما يداعب الطفل المسيح بشكل هزلي حملًا صغيرًا كذبيحيًا ، تجسيدًا لمصير الرضيع. رسم صغير بالقلم والحبر لـ العذراء والطفل مع القديسة حنة موجود في مجموعة Accademia ، البندقية. تشكل المواقف غير الرسمية والارتباط النفسي الرقيق بين الجالسات أعلى مستوى في الرسم الديني. (ستيفن بوليمود)
قائد (1475)
فيما أصبح أحد أعمال أنطونيلو دا ميسينا أشهر اللوحات ، يصور الفنان قائدًا عسكريًا لإيطاليا ، يُعرف باسم كوندوتيير. (ومع ذلك ، فإن الهوية الحقيقية للرجل غير معروفة). حتى القرن التاسع عشر ، كانت إيطاليا تتكون من مجموعة من دول المدن المستقلة ، وكان الطلب على كوندوتييري خوض معارك بين الدول المتصارعة. أنتونيلو مهتم بإظهار رتبة جليسه: فهو جالس أمام خلفية سوداء بملابسه الأساسية وغطاء رأسه بوضعية جيدة ، وبالتالي رفع مكانته فوق مستوى المحارب البسيط. في الواقع ، كان موضوع أنتونيلو على الأرجح يمتلك الثروة الكافية لتحمل لقب أقرب إلى لقب رجل نبيل ، وكان سيكلف هذه الصورة للتأكيد على مكانته الاجتماعية. ومع ذلك ، يذكر أنطونيلو المشاهد أن هذا الرجل مقاتل لا يرحم. التفتيش عن كثب قائد يكشف تفاصيل مثل جرح الحرب على الشفة العليا للحاضنة. (وليام ديفيز)
موناليزا (ج. 1503–09)
ليوناردو دافنشي: موناليزا موناليزا زيت على لوحة خشبية ليوناردو دافنشي ، ج. 1503 - 19 ؛ في متحف اللوفر ، باريس. Everett-Art / Shutterstock.com
ليوناردو دافنشي بدأ حياته باعتباره الابن غير الشرعي لكاتب عدل توسكانا ، ويمكن القول أنه أصبح الرسام الأكثر مناقشة في العالم. نشأ افتتان لا نهاية له من جانب العلماء والجمهور على حد سواء منذ اليوم الذي بدأ فيه الكتابة والرسم. كان أيضًا رجلاً به عيوب وقيود. وُلِد في بلدة أنشيانو على التلال التوسكانية بالقرب من فينشي ، وانتقل إلى فلورنسا في سن مبكرة للتدريب كمتدرب على أندريا ديل فيروكيو ، وهو نحات شهير في ذلك الوقت. من تلك الدروس المبكرة ، اكتسب ليوناردو تقديرًا عميقًا للفضاء ثلاثي الأبعاد ، وهو مفهوم خدمته جيدًا طوال حياته المهنية ، سواء كان يرسم أو يرسم تعقيدات النباتات أو أجزاء من جسم الإنسان أو آلات الحرب أو أعمال المياه العامة ، الهندسة الرياضية أو الجيولوجيا المحلية. اسم ال هذه اللوحة ، التي لم تُستخدم حتى القرن التاسع عشر ، مشتقة من رواية مبكرة لجورجيو فاساري ، والتي توفر أيضًا التعريف الوحيد للحاضنة. تم رسم لوحة الموناليزا ، المعروفة أيضًا باسم ليزا غيرارديني ، في منتصف العشرينات من عمرها بعد أن تزوجت من تاجر حرير يُدعى فرانشيسكو ديل جيوكوندو ، الرجل الذي ربما يكون قد كلف بهذه الصورة. حتى يومنا هذا ، يعرفها الإيطاليون باسم الموناليزا والفرنسية مثل لوحة الموناليزا ، والتي تُترجم حرفيًا على أنها jocund (أو لعوب). في التاريخ الحديث ، قد تنبع شهرة اللوحة أيضًا جزئيًا من حقيقة سرقتها من متحف اللوفر في باريس في سرقة مثيرة في عام 1911 من قبل قومي إيطالي ولكن لحسن الحظ تمت إعادتها بعد ذلك بعامين. (ستيفن بوليمود)
[هل تريد معرفة المزيد عن سبب شهرة الموناليزا؟ اقرأ هذا الغموض عن بريتانيكا.]
صدقة (1518–19)
في عام 1518 ، استدعى فرانسيس الأول من فرنسا الرسام الفلورنسي أندريا ديل سارتو إلى بلاطه الفرنسي ، حيث عاش الفنان الإيطالي لمدة عام. صدقة هي اللوحة الوحيدة الباقية من إقامته الفرنسية ؛ تم رسمه من أجل Château d’Amboise. هذا العمل نموذجي للوحات التي فضلها الملوك الفرنسيون في هذا الوقت. يصور شخصية الصدقة محاطة بالأطفال الذين ترعاهم وتحميهم. كان تمثيلًا استعاريًا للعائلة المالكة الفرنسية ، واحتفل بميلاد دوفين ، الذي يرمز له بالرضاعة ، في حين أن شخصية الخيرية تحمل بعض التشابه مع الملكة. الهيكل الهرمي للتكوين نموذجي للشكل التقليدي لهذا النوع من اللوحات ، وهو أيضًا انعكاس لتأثير ليوناردو دافنشي على Andrea del Sarto. أعجب الفنان على وجه الخصوص ليوناردو العذراء والطفل مع القديسة حنة . (تامسين بيكيرال)
قطع رأس القديس جورج (ج 1432-1434)
عمل برناردو مارتوريل في برشلونة وربما كان يدرس من قبل لويس بوراسا ، الرسام الكاتالوني الأكثر إنتاجًا في ذلك الوقت. يُنسب عمل واحد فقط باقٍ إلى Martorell ، ألا وهو مذبح القديس بطرس من بوبول (1437) ، الموجود في متحف جيرونا بإيطاليا. ومع ذلك ، فإن مذبح القديس جورج مميز للغاية في أسلوب مارتوريل لدرجة أن معظم الخبراء يعتقدون أنه كان الفنان. تم إنشاء المذبح لمصلى القديس جورج في قصر برشلونة. وهي مكونة من لوحة مركزية تظهر القديس جورج وهو يقتل التنين ، الذي يقع الآن في معهد شيكاغو للفنون ، وأربعة ألواح جانبية ، موجودة في متحف اللوفر في فرنسا. هذه اللوحة الجانبية يشكل الجزء الأخير من السرد ، ويصور استشهاد القديس جورج. يبدو أن أسطورة القديس جورج نشأت في كتابات يوسابيوس القيصري ، والتي تعود إلى القرن الرابع الميلادي. اشتهر بأنه جندي روماني من النبلاء قُتل عام 303 م بسبب احتجاجه على اضطهاد المسيحيين. تم تقديسه في القرن العاشر وأصبح شفيع الجنود. انتشرت أسطورة القديس جورج في جميع أنحاء أوروبا في العصور الوسطى ، وعلى الرغم من أن قصة القديس يقتل تنينًا تبدو أسطورية أكثر من كونها معجزة ، فقد أعيد سردها في العديد من لوحات العصور الوسطى. في هذا المشهد الأخير من الأسطورة ، بينما كان القديس جورج مقطوع الرأس ، يتساقط البرق من سماء حمراء وذهبية نارية. قد يكون الأسلوب قوطيًا عالميًا ، لكن الوجوه المرعبة ، وتربية الخيول ، والأجساد المتدلية ، والتعامل الخبير مع الضوء تنتمي إلى Martorell. (ماري كوتش)